Si en marzo La Pamplonesa llevó a su público de “marcha sinfónica”, ahora le pone a “danzar”. Eso sí, con todas las medidas de seguridad y manteniendo la pudorosa distancia que históricamente ha tenido este género musical. Las danzas folklóricas han interesado a la mayoría de compositores “clásicos”, pero con más fuerza todavía a partir del siglo XIX, dentro de un contexto musical nacionalista en el que la expresión popular era el ingrediente esencial. Autores como Brahms, Chaikovski, Dvorak o Mussorgsky generaron un repertorio basado en la música de danza y que hoy incluso sigue vigente a través de una banda de música. De igual forma, compositores actuales de moderna música original para banda encuentran inspiración en este género musical, con sonoridades de múltiples procedencias.

Abre el concierto la Danza Húngara nº 5 de Brahms (1833-1897). Integrada en un conjunto de 21 obras que compuso entre 1858 y 1869 para piano a cuatro manos, tras su éxito transcribió diez para piano solo e instrumentó junto a Dvorak varias para orquesta. La nº 5 es la más conocida, con dos secciones diferenciadas: la primera es enérgica y presenta el tema melódico principal, mientras que la segunda es más viva, con mayor virtuosismo para mostrar la agilidad en saltos y acrobacias del danzante. Después retorna al inicio, dándole una estructura ternaria. El ballet El cascanueces fue escrito por Chaikovski (1840-1893) en 1891 y está basado en la adaptación de Alejandro Dumas del cuento El cascanueces y el rey de los ratones de Hoffmann. La suite con su música la estrenó el propio autor el 19 de marzo de 1892, con ocasión de una reunión de la sección de la Sociedad Musical en San Petersburgo. En una de sus escenas, el cascanueces es recibido en el reino de los dulces por el Hada de azúcar, su caballero y el resto de los dulces. Ahí se suceden una danza española relacionada con el chocolate, una danza china que es el té, una danza árabe que es el café y una danza rusa (Trepak), a veces llamada de bastones de caramelo. Modest Mussorgski (1839-1881) es uno de los autores nacionalistas más originales. Integrante del Grupo de los Cinco, su formación fue autodidacta a excepción de alguna enseñanza de Rimsky-Korsakov y Balakirev. Entre sus principales obras está Khovanchina, en la que se integran las sugerentes Danzas Persas. Las Danzas Eslavas son una serie de 16 obras para orquesta compuesta por Antonin Dvorak (1841-1904) entre 1878 y 1886. Originales para piano a cuatro manos, están inspiradas en las mencionadas danzas de Brahms. Claramente nacionalistas, fueron bien recibidas y hoy están entre sus obras más destacadas. La número 8 posee ritmos y armonías eslavas, pero con melodías originales suyas. Se le conoce como Furiant (furiosa) y llama a la rebelión de su patria, Bohemia, entonces bajo el yugo del Imperio Austro-Húngaro.

Ya en el s. XX, los autores de música original para banda han recurrido a la danza en muchas ocasiones. El estadounidense Alfred Reed (1921-2005) es uno de ellos y su aportación a la causa es grande. Sus Danzas Armenias (1976) recogen muchos elementos de la música popular armenia. Una de ellas, Khoomar, hace referencia a un típico nombre femenino armenio y un ligero tema musical describe cómo dos jóvenes se conocen y se casan. Una danza de boda muestra el clima agradable y el gozo de tal ocasión. El italiano Franco Cesarini (1961-) recreó en sus Cossack Folk Dances algunas de las danzas que él mismo tuvo la ocasión de conocer a los cosacos de Kuban. Además de por sus saltos y el dominio sobre el caballo, quedó impresionado por la belleza de las canciones y danzas tradicionales. La obra retiene la esencia y el espíritu de esta seductora música, en la que destaca su marcado ritmo a contratiempo y su progresiva aceleración. Otro de los grandes compositores es el belga Jan van der Roost (1956-) y su acercamiento a la música de danza es una costumbre. En Dublin Dances combina los principales valores de la música tradicional irlandesa. Brian Boru’s March contiene una melodía que hizo célebre el flautista James Galway, mientras que The Irish Washerwoman contiene el típico ritmo en 6/8 con bordón, característico de la música irlandesa. En el caso de Rikudim, se trata de cuatro danzas folklóricas israelitas de diversos ambientes. No se trata de danzas concretas, sino más bien de una recreación tal y como solía hacer Bela Bartok. Las cuatro representan tanto la melancolía como el optimismo, características propias de la música judía.

Luis Mª San Martín Urabayen

“Si puedo meterme debajo de algunas de esas escenas y detrás de los diálogos, puedo hacer musicalmente cosas de verdad” (Max Steiner)

En el s. XIX, mucho antes de que llegara el séptimo arte, ya hubo compositores que otorgaron a la melodía el valor de representar personajes, lugares, situaciones o ambientes. La “idée fixe” de Berlioz en su Sinfonía Fantástica (1830) o los leit-motivs wagnerianos en Sigfrido (1876) o los Maestros Cantores (1868), evocan a sus protagonistas. Richard Strauss describió melódicamente a personajes como D. Juan (1889) o al travieso Till Eulenspiegel (1895). E incluso Bedrich Smetana lo hizo con el río Moldava (1874), en su devenir por sus amadas tierras checas.

Con la llegada del cine mudo, en las primeras décadas del s. XX los músicos tocaban en directo junto a la proyección para ambientar las mágenes en movimiento. El propio Silvanio Cervantes, director de La Pamplonesa desde su fundación en 1919 hasta 1945, realizó esa labor entre marzo de 1915 y noviembre de 1918 como pianista y director del Quinteto del Teatro Gayarre. Él se encargó de poner sonido en directo a las películas de los primeros años de cine en Pamplona. La primera película sonora fue El cantor de jazz (1927) y desde entonces, imagen y música llegaban ya sincronizadas. Apareció un nuevo perfil de compositor para el cine, en el que clásicos como Auric, Shostakovich y muchos más participaron no solo por la novedad; seguramente el aspecto económico fue una buena razón.

En los años 30′ del s. XX Max Steiner fue uno de los pioneros. Creía que la música podía instalarse por debajo de los diálogos, trabajar para realzar y amplificar las emociones, los personajes y el drama en cada escena. Esto era muy novedoso, ya que hasta entonces la música se limitaba a los títulos iniciales y finales, así como alguna intervención puntual. De su mano surgió el célebre tema de Tara en Lo que el viento se llevó (1939). En la escena final, bajo esa melodía, Vivien Leigh proclama: “A Dios pongo por testigo…que jamás volveré a pasar hambre”. En 1960 Ernest Gould puso el dramatismo melódico a Éxodo durante la fuga de refugiados judíos hacia Palestina y en 1962 Maurice Jarre logró una melodía capaz de hacer imaginar a Peter O’Toole sobre las arenas del desierto en Lawrence de Arabia. En 1973 Nino Rota creó la deliciosa e irreverente sintonía de Amarcord que describe la Italia vista por los ojos de Fellini. John Barry ha sido capaz de describir en notas paisajes abrumadores, como la sabana africana con el oscarizado tema de Memorias de África (1985) y las llanuras americanas en Bailando con Lobos (1990). Y el maestro John Williams narró la liberación de presos en los campos de exterminio nazi en La lista de Schindler (1993). Cuando Spielberg le enseñó el primer montaje de la película, Williams necesitó varios minutos para recomponerse de lo que había visto. Con humildad le dijo que iba a necesitar a un mejor compositor para poner música a esas imágenes. Spielberg contestó: “es posible, pero ahora están todos muertos”. Realmente desgarradora.

Entre todos destaca Ennio Morricone (1928-2020), fallecido el pasado 6 de julio y a quien va dedicado el concierto. Estudió trompeta y composición en su Roma natal y se acercó a la música de vanguardia. Su primer contacto con el cine fue en 1961 con El Federal y poco después creo un estilo propio junto al director Sergio Leone. Entre sus más de 400 obras para el cine, destaca Nuovo Cinema Paradiso (1988), en la que es célebre la melodía de la escena final llena de besos de cine que la censura había prohibido y que emociona al protagonista (y a todos). Un momento sublime. Igual que en la escena en la que Jeremy Irons toca con el oboe el tema de La Misión (1986) ante los indios guaraníes. Melodías llenas de emoción y esperanza, que es lo que ahora necesitamos. Quizá inspirado en su música por la heroica Columna Trajana, junto a la que vivía en Roma, a la vez fue discreto hasta su muerte. En su carta de despedida, firmó: “Yo, Ennio Morricone, he muerto”. En su funeral sonó su tema favorito, el de La Misión. Igual por eso su compatriota y director Ricardo Muti utilizó ese término en su discurso de Año Nuevo el pasado 1 de enero, en un auditorio vacío pero ante millones de personas. “Las armas de los músicos son instrumentos cargados con flores. La música es importante, no porque sea un entretenimiento. Más que una profesión, se trata de una MISIÓN”. En ella está La Pamplonesa.

Luis Mª San Martín Urabayen